Los Grammy

Foto: Ollie Millington/Redferns

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El superproductor pop Jon Bellion es el hombre detrás del nuevo EP de Tori Kelly, 'tori', pero también ha estado involucrado en innumerables éxitos durante más de una década. Escucha nueve de las canciones más importantes de Bellion, desde Eminem hasta Jonas Brothers.

Si el nombre Jon Bellion le suena familiar, probablemente se deba a su sencillo de 2016 "All Time Low". Con su implacable estribillo "low-low-low-low-low", la confección pop con fusión electrónica le dio a Bellion su primer gran éxito, es decir, como solista.

Antes del gran avance de Bellion con su sencillo debut en solitario, ya se había hecho un nombre detrás de escena escribiendo y produciendo canciones para artistas como Eminem, Jason Derulo, Zedd y CeeLo Green. Y en los siete años transcurridos desde que "All Time Low" se convirtió en un éxito entre los 20 primeros, ha celebrado muchos otros éxitos con algunas de las estrellas del pop, desde Christina Aguilera hasta Justin Bieber.

Sólo este año, trabajó con los Jonas Brothers como productor ejecutivo de su impactante disco The Album, ayudó a dar forma a "Middle Ground" de Maroon 5, que se espera que sea el sencillo principal del próximo octavo álbum de estudio de los veteranos pop-rockeros. y se asoció con Switchfoot para una actualización orquestal en 2023 del sencillo exitoso de la banda de 2003, "Meant to Live".

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El trabajo más reciente de Bellion se puede escuchar en el nuevo EP homónimo de Tori Kelly, tori, que se lanzó el 28 de julio. Además de producir el proyecto, Bellion se unió a Kelly para una pista magnética con tintes electrónicos titulada "young gun". Tras el lanzamiento del EP, la propia Kelly notó el impacto de Bellion y calificó su colaboración como "el comienzo de algo realmente especial".

En honor al último proyecto de Bellion, eche un vistazo a nueve canciones que quizás no sabía que contenían el toque característico de Bellion: una hoja de ruta para convertirse en uno de los productores más solicitados del momento.

Uno de los primeros éxitos de Bellion fue cortesía de Eminem... bueno, y de Bebe Rexha. La cantante pop escribió el gancho oscuro de la canción mientras trabajaba en su álbum debut, pero luego llegó a Eminem y finalmente cambió a su cuarta colaboración con Rihanna. La canción se convirtió en la segunda colaboración número uno del dúo después de "Love The Way You Lie" de 2010 y sigue siendo uno de los éxitos más monstruosos en la carrera de Bellion.

Jason Derulo trabajó únicamente con Bellion en este top 20 de sus Tatuajes de 2013, que luego fue reempaquetado como Talk Dirty de 2014. Construido alrededor de una irresistible línea de trompetas, sí, literales, Bellion y Derulo inventaron una sinfonía vivaz y coqueta para objetivar suavemente a la amada del cantante de R&B, y logra nombrar a Coldplay, Katy Perry y Kanye West en el transcurso de solo tres minutos. y treinta y siete segundos.

Bellion se encargó de la producción del feroz equipo de Christina Aguilera en 2018 con Demi Lovato, "Fall in Line", del LP Liberation de 2018 de la primera. Detrás de los tableros, Bellion capturó efectivamente toda la rabia feminista y el empoderamiento que las dos potencias vocales iluminaron en sus letras, combinando sus voces burlonas con una sección de cuerdas vampíricas, cadenas haciendo sonar y un señor supremo robótico que exigía inútilmente: "Marzo, dos, tres". , claro, dos, tres/ Cierra la boca, saca el culo por mí".

"Fall in Line" obtuvo una nominación a Mejor Actuación de Dúo/Grupo Pop en los GRAMMY 2019, marcando el vigésimo reconocimiento en la carrera de Aguilera y el segundo de Lovato.

Para iniciar su séptimo álbum, JORDI, Maroon 5 reclutó a Bellion para coescribir el sencillo principal "Memories". La suave balada encontró al líder Adam Levine lamentando la pérdida de un amigo, derramando una melodiosa línea de reggae-pop que muestra hábilmente "Canon in D Major" de Johann Pachelbel. Si bien la sincera canción está dedicada al antiguo manager de la banda (y homónimo del LP), Jordan Feldstein, quien falleció trágicamente en 2017 debido a un coágulo de sangre, el sentimiento identificable de "Memories" lo ayudó a alcanzar el puesto número 2 en Hot. 100.

Además de "Memories", Bellion también trabajó con la banda en otras dos canciones de JORDI, coescribiendo el cuarto sencillo "Lost" y la colaboración de Anuel AA y Tainy "Button". Tres años más tarde, se reuniría con la banda para coescribir y coproducir su último e igualmente delicado sencillo "Middle Ground" junto a artistas como Andrew Watt y Rodney Jerkins.

Miley Cyrus llegó con entusiasmo a su álbum Plastic Hearts, inspirado en el glam rock, en la parte posterior de "Midnight Sky", una declaración sin complejos de independencia luego de su separación de su amor de toda la vida, Liam Hemsworth. Con sintetizadores sensuales, la poderosa balada tomó una página de íconos del rock de los 80 como Joan Jett, Debbie Harry y Stevie Nicks.

El sonido era completamente nuevo para Cyrus, que es una de las herramientas de Bellion cuando trabaja con una nueva superestrella por primera vez. En una entrevista de Billboard de 2023, comparó su enfoque con la invención de un nuevo tipo de viaje para la estrella A determinada. "Ya han construido un parque temático increíble: millones de personas van a él y experimentan sus montañas rusas", afirmó. "Me pusieron a cargo de renovar o crear una nueva sección del parque temático y me dejaron ser el capataz de todo". El nuevo estilo funcionó a favor de Cyrus y le valió a Bellion otro éxito entre los 20 primeros en el Hot 100.

Las huellas dactilares de Bellion están en todo el álbum Justice de Justin Bieber de 2021, comenzando notablemente con su sencillo principal, "Holy", asistido por Chance the Rapper, que él coescribió y coprodujo. El superproductor contribuyó a otras seis canciones del LP de pop, incluido el número uno de la radio pop "Ghost", que se inspiró en la difunta abuela de Bellion, así como a tres temas de lujo. Y aunque Bellion no tuvo ninguna característica acreditada, su voz aún se puede escuchar: ofreció coros en siete de las canciones.

Justice le valió a Bellion su primera nominación al GRAMMY, ya que el proyecto fue nominado a Álbum del año en los GRAMMY 2022 (Bieber también recibió otras siete nominaciones).

Bellion colaboró ​​por primera vez con Selena Gomez en el álbum de Rare "Vulnerable" junto a Amy Allen, Michael Pollack y The Monsters & Strangerz. Dos años más tarde, todo el equipo se reunió para la canción principal del documental My Mind & Me de Apple TV+ del cantante pop.

Bellion y compañía. ayudó a Gómez a aprovechar aún más el lado más vulnerable de su psique hasta la fecha. "Vulnerable" vio a Gómez bajar la guardia con una nueva llama, pero "My Mind & Me" le permitió dejar al descubierto por completo su viaje de salud mental. "A veces me siento como en un accidente, la gente mira cuando pasa/ Nunca controlan al pasajero, sólo quieren el espectáculo gratis", canta. "Sí, constantemente intento luchar contra algo que mis ojos no pueden ver", sobre una guitarra y un piano de repuesto.

Después del éxito de su álbum de regreso de 2019, Happiness Begins, con el productor Ryan Tedder, los Jonas Brothers reclutaron a Bellion para dirigir los foros de su seguimiento de 2023, The Album. El productor ayudó a los hermanos creadores de éxitos a aprovechar una nueva faceta de su sonido pop-rock, encontrando inspiración en la música de los años 70 con la que los crió su padre. (Como Joe Jonas le dijo a GRAMMY.com tras el lanzamiento del álbum, Bellion "estaba diciendo exactamente lo que esperábamos" cuando se reunieron por primera vez para reflexionar sobre ideas).

Si bien Bellion participó en cada canción de The Album, el segundo sencillo "Waffle House" es el último en lograr que tanto él como los Jonas Brothers se ubiquen entre los 15 primeros en la radio pop. Bellion también es el único artista destacado en The Album, saliendo de detrás de los tableros y entrando en la cabina vocal para el grandilocuente cierre "Walls".

Tori Kelly se vinculó por primera vez con Bellion gracias a Justin Bieber, ya que la pareja trabajó junto con los Biebs en el tierno corte extra "Name" de las sesiones de Justice. Entonces, cuando llegó el momento de iniciar una nueva era con su EP homónimo Tori, la cantante recurrió a Bellion para que la ayudara a hacer realidad su visión.

En el sencillo principal "missin u", la dos veces ganadora del GRAMMY arroja por la ventana las vibraciones de cantante y compositora impulsadas por la guitarra de su trabajo anterior en favor de un elegante sonido R&B que recuerda a principios de la década de 2000. El cambio de marcha sónico encaja perfectamente con su ágil voz mientras repite un romance que "estaba lloviendo cielos morados en mi habitación". De alguna manera, Kelly incluso logra superar las acrobacias vocales de "missin u" con una "edición de R&B" delirantemente brillante que agrega aún más capas, alma y florituras vocales al sencillo.

"Cuando comencé a trabajar con Jon Bellion, apenas estábamos comenzando a rascar la superficie de un nuevo sonido que realmente sentía como mío", explica Kelly en un video que celebra el lanzamiento de su EP homónimo, tori. "Sé que recordaré esta colaboración como el comienzo de algo realmente especial". ¿En cuanto a los pensamientos de Bellion sobre su último proyecto? "¡Tori Kelly es la mejor vocalista de todos los tiempos!"

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Fotos (LR): Bob Riha Jr/WireImage, Ron Davis/Getty Images, Paul Natkin/Getty Images, Kevin Mazur/Getty Images para dcp

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Mientras los fanáticos de Madonna esperan ansiosamente el inicio de su tan esperado The Celebration Tour, eche un vistazo al legado de cuatro décadas del ícono que cambió la música pop para siempre.

Segundos después de hacer su debut televisivo en American Bandstand a principios de 1984, Madonna anunció sus planes de "gobernar el mundo".

Casi 40 años después, ha hecho precisamente eso: vendiendo 300 millones de álbumes en todo el mundo, Madonna es una de las artistas con mayores ventas de todos los tiempos. Sus 14 álbumes de estudio han generado 12 números 1 y 63 éxitos entre los 10 primeros en el Billboard Hot 100, y se ganó un lugar en el Salón de la Fama del Rock & Roll en 2008. Pero solo su apodo demuestra que logró su objetivo: la Reina. del pop.

El legado de Madonna también es más que su música. El siete veces ganador del GRAMMY ha empoderado a varias generaciones para que sean dueñas de su sexualidad y tomen sus propias decisiones; se atrevió a ser diferente y a romper las reglas dentro y fuera del escenario, particularmente con la fusión de la libertad sexual y la religión. Su valentía ayudó a abrir puertas a la individualidad en la música pop y más allá, convirtiéndose en una estrella que no sólo gobernó el mundo: cambió la cultura.

Mientras el LP debut homónimo de Madonna cumple 40 años el 27 de julio, GRAMMY.com revisa los momentos más innovadores, estimulantes y dignos de admiración de su extraordinaria carrera.

Escuche la lista de reproducción oficial Songbook: An Essential Guide To Madonna de GRAMMY.com en Spotify arriba y en Amazon Music, Apple Music y Pandora.

"Everybody" y "Burning Up", los dos primeros sencillos del debut solista homónimo de Madonna en 1983, fueron éxitos dance instantáneos, pero no lograron entrar en el Hot 100. Arraigado en la música disco, "Holiday" no sólo se convirtió en la primera entrada de Madonna al Hot 100 en el puesto n. 16, pero también encabezó la lista Dance Club Songs, la primera de 50, un récord que ningún otro artista ostenta hasta el día de hoy. También generó éxitos aún mayores, "Lucky Star" y "Borderline", que alcanzaron el puesto 4 y 10 en el Hot 100, respectivamente.

Mientras "Borderline" ascendía en las listas, Madonna reclutó al legendario Nile Rogers para crear lo que se convertiría en el álbum más vendido de su carrera: Like a Virgin.

Con ventas de más de 21 millones de copias en todo el mundo, Like a Virgin de 1984 demostró que Madonna no era simplemente otra cosa pasajera con una larga serie de éxitos, incluyendo "Material Girl", "Dress You Up" y su primer éxito en las listas, "Like una virgen." Pero su asertividad sexual es lo que hizo que la época fuera verdaderamente icónica. La portada del álbum en tonos sepia mostraba a la joven de 26 años con un vestido de novia con corsé, adornado con guantes de encaje y una hebilla de cinturón "Boy Toy" difícil de pasar por alto.

"La foto era una declaración de independencia, si quieres ser virgen, eres bienvenida. Pero si quieres ser una puta, tienes derecho a serlo", supuestamente dijo Madonna sobre las imágenes sorprendentes del álbum. Por esta época, multitudes de "aspirantes a Madonna" copiaron su apariencia, que incorporaba pulseras de gelatina, rosarios, crucifijos, medias de encaje y diademas con lazos gigantes, consolidándola como un ícono de la moda. (A principios de este año, Like a Virgin se agregó al Registro Nacional de Grabaciones de la Biblioteca del Congreso por ser "cultural, histórica o estéticamente significativa").

Recién casada con su entonces esposo Sean Penn en 1986, True Blue de Madonna presentó su primer cambio de imagen y se alejó del sonido pop chicle por el que era conocida. El sencillo principal "Live to Tell" mostró un crecimiento artístico mientras aparentemente enfrenta un pasado doloroso. ("Tengo una historia que contar/ A veces resulta muy difícil ocultarla bien", canta en el verso inicial de la balada).

Además, True Blue encontró a Madonna experimentando con nuevos estilos musicales, incluyendo el clásico ("Papa Don't Preach", que arrojó luz sobre el embarazo adolescente), el latino ("La Isla Bonita") y el doo-wop ("True Blue"). "). Aún así, el dance-pop está a la vanguardia de "Open Your Heart", así como las insinuaciones sexuales en el video que lo acompaña, que muestra a la cantante actuando como una bailarina exótica en un peep show.

Cuando llegó Like a Prayer de 1989, Madonna se había ganado el título de "Primera Dama del Pop", manteniéndose firme junto a sus homólogos masculinos Michael Jackson y Prince. Antes del lanzamiento del álbum, Madonna estaba luchando mucho detrás de escena: ella y Sean Penn solicitaron el divorcio dos meses antes, ella alcanzó la edad que tenía su madre cuando murió y estaba luchando con su educación católica.

A su vez, el LP de 11 pistas se considera el primero de los proyectos de Madonna que presenta letras y temas profundamente personales, particularmente en temas como "Till Death Do Us Part", "Promise to Try", "Oh Father" y "Keep It". Together", el último de los cuales presenta a Prince en la guitarra. Por otro lado, "Cherish" y el himno feminista "Express Yourself" sirven como puntos brillantes en Like a Prayer.

La canción principal le valió a Madonna su séptimo éxito en las listas Hot 100, pero es más sinónimo del video que la acompaña. El clip muestra una serie de imágenes controvertidas, incluida Madonna cantando frente a cruces en llamas, lo que le costó a la artista su contrato de patrocinio con Pepsi (más sobre esto más adelante). "Like a Prayer" marcó el tono de los videos "Justify My Love" y "Erotica" de Madonna, que causaron sus propias controversias por sus imágenes que traspasan los límites.

Es imposible volver a visitar el catálogo de Madonna sin revivir algunos de los momentos más asombrosos de la intérprete. Desde su perorata llena de malas palabras en el Late Show con David Letterman en 1994 hasta besar a Britney Spears y Christinia Aguilera en los MTV Video Music Awards 2003, Madonna no es ajena a sorprender al mundo.

Sólo un año después de su extraordinaria carrera, Madonna se robó el show en la edición inaugural de los Video Music Awards de MTV. Con un vestido de novia que recuerda al que usó en la portada del álbum Like a Virgin, la joven de 26 años expuso involuntariamente su ropa interior mientras alcanzaba uno de sus tacones que se cayó mientras bajaba desde una altura de 17 pies. pastel de boda. Después de la actuación, su manager le dijo a Madonna que su carrera había terminado, pero eso terminó catapultándola al estrellato.

Para cerrar la década de los 80, Madonna fue nombrada portavoz de Pepsi, pero su patrocinio de 5 millones de dólares fue revocado cuando se estrenó el vídeo "Like a Prayer" un par de meses después. Las imágenes innovadoras representan el racismo contra una pareja interracial, estigmas y la propia Madonna besando a un santo negro, pero su escena más provocativa aparece a mitad de camino cuando Madonna canta frente a cruces ardientes al estilo del Ku Klux Klan.

Como era de esperar, la comunidad cristiana lo consideró en gran medida una blasfemia, y el Papa pidió a Italia que boicoteara al cantante. Aunque el controvertido video le costó a Madonna su contrato con Pepsi, allanó el camino para que los artistas fusionaran la religión con su arte para hacer una declaración audaz, aparentemente inspirando los videos de "Judas" de Lady Gaga, "Montero (Call Me By Your Name)" de Lil Nas X. ," y "Unholy", de Sam Smith y Kim Petras. (En la misma línea, parte de la gira Confessions Tour de Madonna de 2006 fue condenada por interpretar "Live to Tell" en una cruz reflejada mientras llevaba una corona de espinas, simulando la crucifixión de Jesucristo).

Quizás uno de sus momentos más escandalosos, sin embargo, pertenece al frenesí y la brillantez mediática que fue el video "Justify My Love". Coescrita con Lenny Kravitz, la canción en sí es lo suficientemente atrevida como para sorprender a algunos, pero aún es relativamente mansa para los estándares actuales. "Quiero correr desnuda bajo una tormenta/ Hacer el amor en un tren a través del país", susurra sobre un ritmo de batería sampleado de Public Enemy.

Temas de desnudez, sadomasoquismo, bisexualidad y androginia recorren el vídeo dirigido por Jean-Baptiste Mondino, que Madonna defendió como una "celebración del sexo" después de que fue prohibido en MTV. Aprovechando el momento, Madonna lo lanzó como un vídeo sencillo, vendiendo más de un millón de copias a 9,98 dólares, prueba de que Madonna podía convertir cualquier potencial desastre profesional en un astuto movimiento comercial.

Madonna: Verdad o Reto se estrenó apenas seis meses después y recibió críticas en su mayoría positivas, aunque ciertas escenas provocaron reacciones negativas, incluida Madonna realizando una felación en una botella de vidrio. El documental narra la gira mundial Blond Ambition de 1990 de la cantante, pero a menudo es aclamado por defender a la comunidad LGBTQIA+, ya que muestra a Madonna y sus bailarines asistiendo a un desfile del Orgullo y a hombres homosexuales discutiendo casualmente sobre sexo.

Lo que siguió a continuación en la carrera de Madonna no fue para los pusilánimes: el álbum Erotica de 1992 examina todos los aspectos de la sexualidad, desde el sadomasoquismo y el sexo oral hasta la conciencia sobre la epidemia del SIDA.

El alter ego de Madonna llamado Dita ocupa un lugar central en el sencillo principal "Erotica", uno de sus sencillos más distintivos pero olvidados. "Mi nombre es Dita/Seré tu amante esta noche", declara sobre un ritmo furtivo con influencias de hip-hop y Medio Oriente. La pista picante y su sencillo siguiente, "Deeper and Deeper", ocuparon los puestos número 3 y 7 en el Hot 100, respectivamente, pero los sencillos restantes de la era Erótica no llegaron tan alto. "Bad Girl", que también apareció en la película Body of Evidence de 1993, alcanzó el puesto 36, mientras que "Fever" y "Bye Bye Baby" se perdieron por completo el Hot 100.

Joyas como "Rain", "Words", "Waiting" y "In This Life" quedan enterradas en la controversia que rodeó al LP, pero su impacto aún reina tres décadas después, inspirando a más artistas femeninas a hacer alarde de su sexualidad sin pedir disculpas; "Partition" de Beyoncé, "Not Myself Tonight" de Christina Aguilera y "S&M" de Rihanna son algunos de los mejores ejemplos.

Las dotes de actuación de Madonna no siempre fueron bien recibidas por el público, pero sus éxitos en la banda sonora siempre salieron con fuerza.

Grabado originalmente para la película Vision Quest de 1985, "Crazy for You" marca la primera vez que Madonna lanza una balada como sencillo, haciendo alarde de sus habilidades vocales y atrayendo a un público más maduro. Además de darle a Madonna su segundo éxito en las listas Hot 100, obtuvo su primera nominación al GRAMMY a la Mejor Interpretación Vocal Pop Femenina.

Un par de meses después, "Into the Groove" apareció en la comedia Buscando desesperadamente a Susan, coprotagonizada por Madonna en el papel principal y que marca su debut cinematográfico. Respaldada por sintetizadores y cajas de ritmos, la canción en sí muestra a Madonna en la cima de su popularidad, lo que la hace mucho más especial de escuchar. Irónicamente, sin embargo, la contagiosa pista nunca llegó al Hot 100; no fue elegible para aparecer en las listas debido a la decisión de su sello de no lanzarlo oficialmente como sencillo, por temor a que pudiera eclipsar a "Crazy For You".

Si bien la actuación de Madonna en la comedia loca Who's That Girl fue criticada, obtuvo éxitos número uno y segundo con "Who's That Girl" y "Causing a Commotion", respectivamente.

Las aspiraciones actorales de Madonna continuaron durante toda la década. A pesar de protagonizar éxitos de taquilla consecutivos, incluido Shanghai Surprise, volvió a intentar actuar en 1990 con Dick Tracy. La película ganadora del Oscar no solo fue el regreso en taquilla que Madonna necesitaba, sino que también dio origen a "Vogue", una de las melodías de baile más icónicas que jamás haya aparecido en las ondas de radio, a pesar de nunca aparecer en la película.

Encabezando las listas en más de 30 países, "Vogue" arrojó luz sobre un estilo de baile extravagante proveniente de la comunidad de baile de salón de Harlem de la década de 1960 liderada por hombres homosexuales negros y latinos. Desde la sección hablada (en la que Madonna grita a las estrellas de Hollywood de la "Edad de Oro" como Marlon Brando y Bette Davis) hasta el vídeo en blanco y negro que la acompaña, donde Madonna estrena el ahora legendario sujetador cónico Jean Paul Gaultier, todo sobre "Vogue". Es un momento icónico y cultural con el que muchos artistas sólo pueden soñar.

El éxito de la banda sonora de la película de Madonna continuó con A League of Their Own de 1992, Evita de 1996 y Austin Powers: The Spy Who Shagged Me de 1999. Las bandas sonoras de las tres películas demuestran la constante voluntad de Madonna de esforzarse más allá de sus propios límites artísticos. En la ópera "No llores por mí Argentina" y "Debes amarme" de Evita, que le valieron un Globo de Oro y una nominación al Oscar, Madonna explora el teatro musical mientras su voz alcanza nuevas alturas. Mientras tanto, "Beautiful Stranger", ganadora del GRAMMY, revisita el pop psicodélico de los años 60, de ahí el tema de Austin Powers. Con un arreglo de cuerdas en vivo, la melancólica "This Used to Be My Playground" de A League of Their Own es un testimonio de los muchos roles de Madonna.

Aunque recibió críticas mixtas en el momento de su lanzamiento, "Die Another Day" ahora se considera la quintaesencia de Madonna y una de las canciones de James Bond con mayor ranking en los EE. UU. Con la friolera de $ 6 millones, el video que lo acompaña sigue siendo el segundo más caro. , justo detrás del vídeo "Scream" de 1995 de Michael Jackson y Janet Jackson.

A finales de 1994, Madonna redujo su imagen sexual tras el lanzamiento de proyectos sexualmente explícitos consecutivos, incluido el controvertido libro Sex mesa de café que presentaba imágenes pornográficas suaves de la propia Madonna, junto con Big Daddy Kane, Vanilla Ice, Naomi Campbell y otros rostros famosos.

Para Bedtime Stories, recurrió a creadores de éxitos de R&B como Babyface y Dallas Austin mientras exploraba temas de amor y romance versus la libertad sexual escuchada en Erótica de 1992. Los sencillos radiofónicos "Take a Bow" y "Secret" marcaron una nueva dirección musical para Madonna que valió la pena: ambos mostraron algunas de sus mejores interpretaciones vocales y recibieron críticas entusiastas de los críticos musicales.

Pero la naturaleza rebelde de la artista reaparece en "Human Nature", criminalmente subestimada, una respuesta a la reacción que enfrentó por su personalidad hipersexualizada de dos años antes. "¿Dije algo mal?/ Ups, no sabía que no podía hablar de sexo/ ¿Me quedé demasiado tiempo?/ Ups, no sabía que no podía decir lo que pensaba", canta en el puente de la canción antes de declarar "No lo siento".

Después de disfrutar del éxito de protagonizar Evita y convertirse en madre primeriza, Ray of Light de 1998 marcó el intervalo más largo de Madonna entre álbumes de estudio en ese momento, pero la espera valió la pena.

Aclamada como su obra maestra y su mayor reinvención, Ray of Light vio a Madonna en su momento más creativo debido a la maternidad y su despertar espiritual, mientras experimentaba con tecno-pop, electrónica, trip hop, sonidos del Medio Oriente y misticismo. Con cada canción, la entonces de 39 años se transforma de Material Girl a Madonna the Artist, como se evidencia en la canción principal, "Frozen", "Drowned World/Substitute for Love", "Nothing Really Matters", "Shanti/Ashtangi". ," y "El poder del adiós". Lleva el tema de la autorreflexión un paso más allá con canciones como "Swim", "Mer Girl" y "Little Star", la última de las cuales está dedicada a su primogénita, Lourdes León.

Ray of Light cuenta con las mayores ventas en la primera semana de cualquier artista femenina en el momento de su lanzamiento, una hazaña impresionante dado que la escena musical de finales de los 90 estaba dominada por un mar de artistas más jóvenes, incluidos Backstreet Boys, Lauryn Hill y Jay. -Z. El LP de 13 pistas le valió a Madonna tres premios GRAMMY más en la ceremonia de 1999: Mejor Álbum Pop, así como Mejor Grabación Dance y Mejor Video Musical Corto por "Ray of Light".

Con la llegada de Music del año 2000, Madonna se embarcó en otra transformación más. En el nuevo milenio, los fanáticos conocieron a Madonna la Vaquera. Si bien la canción principal sonaba como una devolución de llamada a sus éxitos de baile anteriores como "Everybody", "Holiday" e "Into the Groove", el sencillo siguiente "Don't Tell Me" se destaca como la primera vez que el ícono del pop incorpora estilos country. en su arte.

El último sencillo del álbum, "What It Feels Like for a Girl", que denuncia los dobles estándares que enfrentan las mujeres en la sociedad, solo alcanzó el puesto 23 en el Hot 100, pero sigue siendo un favorito de los fanáticos y aún mantiene su relevancia hoy en día gracias a su tema feminista. Tras recibir cuatro nominaciones al GRAMMY en 2001 y 2002, el éxito comercial de Music desafió los límites de la industria musical respecto de las artistas femeninas de edad avanzada, un problema que Madonna todavía enfrenta de frente hoy en día.

En 2003, tras la tragedia del 11 de septiembre en medio de la guerra de Irak, Madonna se sintió impulsada a publicar American Life, de orientación política. Fue un cambio total tanto en el tema como en el sonido, que se inclinaba fuertemente hacia la "folktronica", una mezcla de música folk y electrónica. "Me gustaría expresar mi punto de vista extremo/ No soy cristiana ni judía", rapea en la canción principal.

Si bien el intento de Madonna de hacer un disco con conciencia social no produjo el mismo resultado que otras canciones con carga política en ese momento (incluyendo "Where Is The Love?" de Black Eyed Peas y "American Idiot" de Green Day), el disco de 11 pistas LP, al menos, mostró su voluntad de asumir riesgos creativos incluso dos décadas después de su carrera.

Si bien Madonna se inició en la escena de clubes de la ciudad de Nueva York, su reinado del baile se aceleró con la llegada en 1987 de You Can Dance, que contiene el nuevo tema "Spotlight" más un puñado de temas remezclados de sus primeros tres álbumes de estudio. Para You Can Dance, Madonna reclutó a DJ veteranos, incluidos John "Jellybean" Benítez y Shep Pettibone. En una época en la que los remixes aún eran territorio inexplorado, el LP listo para discotecas sigue siendo el segundo álbum de remixes más vendido de todos los tiempos y es considerado el primer álbum de un artista convencional dedicado exclusivamente al arte del remix.

Si bien la música dance es el núcleo de la discografía de Madonna, su trabajo giró hacia un sonido más orientado a los adultos después de You Can Dance, comenzando con Like a Prayer de 1989. Después de casi dos décadas de experimentación musical, Madonna regresó a sus raíces de baile a lo grande con Confessions on a Dance Floor de 2005.

El sencillo principal del álbum, "Hung Up", construido en torno a una muestra destacada de "Gimme! Gimme! Gimme! (A Man After Midnight)" de ABBA, rompió récords cuando se disparó al número 1 en 41 países. A sus siguientes sencillos "Sorry", "Get Together" y "Jump" les fue mejor a nivel internacional, pero el éxito comercial del LP inició el renacimiento disco del siglo XXI que más tarde influyó en artistas como Future Nostalgia de Dua Lipa y "About Damn Time" de Lizzo. ".

En 2007, Confessions on a Dance Floor ganó un GRAMMY al Mejor Álbum de Electrónica/Dance, y la gira Confessions Tour que lo acompaña se llevó a casa otro GRAMMY al Mejor Video Musical de Versión Larga el año siguiente.

Con contribuciones de Justin Timberlake, Timbaland, Pharrell Williams y Nate "Danja" Hills, Hard Candy de 2008 es uno de los álbumes menos vendidos de Madonna, a pesar de albergar el gran éxito "4 Minutes" (una colaboración con Timberlake), que alcanzó el puesto No. 3 en el Hot 100. "4 Minutes" también le valió a Madonna su 37º sencillo entre los 10 primeros, convirtiéndola en la artista con más entradas entre los 10 primeros en ese momento. Otras canciones destacadas de Hard Candy incluyen "Give It 2 ​​Me", "She's Not Me", "Devil Wouldn't Recognize You" y "Miles Away", la última de las cuales se inspiró en su entonces esposo Guy Ritchie.

En la época en que Madonna estaba elaborando su debut como directora WE en 2011, estaba sentando las bases para su duodécimo álbum de estudio, MDNA, que llegó al año siguiente.

De los cuatro sencillos lanzados, "Give Me All Your Luvin'" (con Nicki Minaj y MIA) es la única canción que ingresa al Hot 100, aunque "Girl Gone Wild" y "Turn Up the Radio" se convirtieron en las número 42 y 43. Éxitos de baile número uno. La balada con guitarra "Masterpiece", que también aparece en la banda sonora de WE, ganó el premio a la Mejor Canción Original en los Globos de Oro de 2012.

A pesar de no haber sido lanzado como sencillo, "Gang Bang" rápidamente surgió como un favorito de los fanáticos y recibió críticas de quienes decían que glorificaba la violencia. Inspirada en las películas de Quentin Tarantino, la agresiva letra de la canción representa a una mujer que asesina a un ex amante: "Y voy directo al infierno/ Y tengo muchos amigos allí/ Y si veo a esa perra en el infierno/ Voy a dispararle en la cabeza otra vez/Porque quiero verlo morir", se burla en el puente.

Los siguientes dos LP de Madonna, Rebel Heart de 2015 y Madame X de 2019, no generaron grandes éxitos, aunque "Living for Love" y "B— I'm Madonna" de Rebel Heart son los más reconocibles. El vídeo que acompaña a este último presenta cameos de Beyoncé, Katy Perry y Miley Cyrus, por nombrar algunos. Ambos álbumes, sin embargo, generaron seis éxitos de baile número uno adicionales para Madonna. Con la friolera de 50 números uno en la lista Billboard Dance Club Songs, Madonna consolidó su estatus como reina del baile.

A principios de 2023, Madonna anunció su próxima gira de celebración para conmemorar su 40 aniversario desde su debut. Con 45 paradas que abarcan desde Detroit y Los Ángeles hasta Ámsterdam y Barcelona, ​​el Celebration Tour estaba programado para comenzar el 15 de julio antes de ser pospuesto después del reciente problema de salud de la superestrella de 64 años.

Como sugiere el nombre de la gira, Madonna está lista para honrar el legado lleno de éxitos que ha construido. "Estoy emocionada de explorar tantas canciones como sea posible, con la esperanza de darles a mis fans el espectáculo que estaban esperando", dijo al momento de anunciar la gira, que es la primera dedicada a sus grandes éxitos. Cuando la megaestrella haga su glorioso regreso a los escenarios a finales de este año, le recordará al mundo su espíritu implacable, el mismo que la convirtió en una estrella del norte para casi todas las artistas femeninas en las listas de éxitos actuales, independientemente del género.

Madonna ha apoyado los derechos de los homosexuales, impulsó la libertad sexual, implementó imágenes religiosas y reformuló el feminismo en una época en la que no estaba de moda hacerlo. Mientras tanto, nunca se disculpó por su "corazón rebelde", solidificando su legado como la verdadera Reina del Pop.

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Foto: Ovidio González/Getty Images para MC

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Desde los suaves tarareos de "It's Too Late" de Carole King hasta la furia ardiente de GAYLE en "abcdefu", estas 15 canciones resumen las emociones expansivas de las mujeres que ponen a sus ex problemáticos en su lugar, muy atrás.

Desde el lanzamiento de SOUR en 2021, tanto los críticos como los oyentes han elogiado a Olivia Rodrigo por su habilidad para escribir con elocuencia los problemas identificables de la adolescencia y los peligros de enamorarse demasiado. Su último sencillo, "vampire", no es diferente.

A pesar de cambiar su amante adolescente con "licencia de conducir" por un hombre mayor, la expresión de agonía perfectamente ejecutada permanece. Mientras Rodrigo se lamenta en el coro, "Me hiciste parecer tan ingenuo/ La forma en que me vendiste por partes/ Mientras me chupas los dientes/ Chupasangre, famaf—er/ Sangrándome hasta dejarme seco como un ag——n vampiro".

Pero antes de que existiera Rodrigo, estuvieron Avril Lavigne, Taylor Swift y Alanis Morissette; ninguna de las cuales estaría donde estaba sin las pioneras de la composición de diarios, Carole King y Carly Simon. Gracias a la inmortalización de su música, podemos revivir el cambio de las revelaciones poéticas del dolor, que King ejemplifica en "It's Too Late", a ataques más directos e impenitentes (como dice Kate Nash en "Foundations", "Don't want mirarte a la cara porque me está enfermando") y gritos de batalla desgarradores (mientras Miley Cyrus ruge, "Entré como una bola de demolición").

A continuación, revise 15 canciones de mujeres empoderadas, desde 1971 hasta 2021, que recuperaron la narrativa de la ruptura con sus fervientes sentencias de condenación, porque, como dice el viejo refrán, el infierno no tiene furia como la de una mujer despreciada.

Cuando Carole King lanzó "It's Too Late" en 1971, marcó una nueva era en la composición de canciones. Las discusiones sobre divorcio eran generalmente inauditas, pero aún más cuando las iniciaba una mujer. Sin embargo, King continuó lanzando sin pedir disculpas "It's Too Late", que luego ganó un GRAMMY a la Grabación del Año y es alabada por Rolling Stone como una de las 500 mejores canciones de todos los tiempos.

En esta pista folk, la inevitable separación de King y su marido está en el horizonte, pero ella no está resentida per se. En cambio, está más preocupada por la vergüenza del creciente descontento de su marido, y admite: "Me siento como una tonta". Y en este punto, ella está lista para seguir adelante y puede estar agradecida por los momentos que han compartido.

En su éxito de los 70, Carly Simon narra la historia de un hombre arrogante que cree que toda mujer está encantada con su aura. Pero la cantante folk quiere dejar muy claro que no le impresionan sus historias adornadas ni su lujoso armario.

Por lo general, es fácil adivinar el tema de una canción de ruptura, pero "You're So Vain" ha dado lugar a décadas de especulaciones. Muchos han asumido que podría tratarse de James Taylor, con quien Simon se casó en 1972 y se divorció en 1983, o Mick Jagger, quien prestó su voz para la canción (una teoría que luego fue desacreditada). Hasta el día de hoy, solo ha revelado la inspiración de la canción a unos pocos elegidos, incluida Taylor Swift, quien nombra a Simon como uno de sus modelos a seguir.

Puede que a Joan Jett le importe un comino su mala reputación, pero nada desprecia más que su ex amante que la hace parecer una tonta enamorada.

En "I Hate Myself for Loving You", la cantante de los 80 se envuelve en un ritmo clásico de glam rock, revelando su desprecio por un hombre que la ha descuidado. Despojada de su orgullo, Jett comienza a resentirse por aferrarse a sus sentimientos, como lo demuestra el título de la canción.

Ella trata de ocultar sus deseos de vivir ("Quiero caminar, pero vuelvo corriendo hacia ti") pero finalmente no logra deshacerse de las emociones, dejándola fantasear con la dulce justicia de un día volver a atarlo, solo para abandonarlo.

Es imposible hablar de canciones mordaces de ruptura sin reconocer el himno por excelencia de Alanis Morissette, "You Oughta Know". En el momento de su lanzamiento, el sencillo Jagged Little Pill contenía algunas de las letras más honestas y mordaces que existen.

Morissette comienza con una declaración ilusoria: "Quiero que sepas que estoy feliz por ti", que, en el segundo verso, se desmorona en una revelación: "No estoy tan bien, deberías saberlo". Cuando culmina en su confesión más profunda, el instrumental se convierte en un alboroto adictivo, con Morissette revelando los pensamientos que a la mayoría de nosotros nos avergonzaría admitir: "Fue una bofetada en la cara lo rápido que fui reemplazada/ ¿Y estás pensando? de mí cuando te follas con ella?"

Shania Twain tiene el superpoder particular de expresar cada una de sus letras con un aire de alegría y confianza. Entonces, cuando escuchas una canción como "That Don't Impress Me Much", su decepción e irritación se vuelven indetectables.

Un examen rápido de la historia de Twain demuestra que, a pesar de las animadas melodías de la canción, está harta de la preocupación de su ex por su vehículo, apariencia e inteligencia. Claro, puede que sea perfecto en el papel, pero carece de las cualidades de un amante eterno, y su ego inmerecido debería reservarse para verdaderos peces gordos como Elvis Presley y Brad Pitt.

En el primer verso de "¿Estás feliz ahora?", Michelle Branch suplica: "No, no te vayas sin más/ Fingiendo que todo está bien y que no te preocupas por mí". Al principio, no puede creer que su otrora admirador la ignorara rápidamente, pero cuando llega al coro, comienza a preguntarse si sus acciones fueron una mentira desde el principio.

Con la mente acelerada, Branch se tambalea entre preguntas descaradas como "¿Realmente tienes todo lo que quieres?" y "¿Podrías mirarme a los ojos y decirme que ahora eres feliz?" Pero al final de la canción, obtiene la venganza más satisfactoria de todas: la paz sin él: "No estoy a punto de romperme/ Porque ahora soy feliz".

"My Happy Ending" encuentra a la experta en pop-punk de la década de 2000, Avril Lavigne, aferrándose a los fragmentos de una relación rota y tratando de identificar dónde salió todo mal. Podría haber dicho algo "incorrecto" o los amigos inadaptados de su pareja podrían haber hablado negativamente de ella. Pero hay una cosa que sí sabe con certeza: no hay manera de recoger los pedazos.

Al aceptar la verdad, Lavigne reposiciona su enojo hacia la otra persona por haberla despojado de su final de cuento de hadas, reconociéndolo sarcásticamente por el tiempo que pasaron juntos frente a un piano sombrío: "Es bueno saber que estuviste allí/ Gracias por actuar como tú". cuidar/Y hacerme sentir como si fuera el único".

Kelly Clarkson ha atravesado casi todas las emociones en el amor, desde sus himnos épicos de ruptura como "Behind These Hazel Eyes" hasta su LP más reciente, Chemical. Pero "Gone" puede que sea la más implacable hasta la fecha.

Presentado por su contraparte de Breakaway "Since U Been Gone", el monónimo "Gone" extiende el viaje de curación de Clarkson, esta vez, con una diatriba más explícita y madura contra el personaje de su ex. En lugar de usar ataques triviales, Clarkson opta por denunciar su suposición de que ella volvería corriendo a sus brazos, y luego declara el fin de su tolerancia: "No hay nada que puedas decir/ Lo siento, no es suficiente, nena/ Toma el Golpea y aléjate, porque ya me he ido".

Con "Smile", Lily Allen obtiene su dulce venganza al ver las lágrimas y la desgracia de su antiguo amor. Pero la letra del revolucionario sencillo de Allen no aclara exactamente las especificaciones de sus payasadas, sólo una explicación de sus orígenes.

Después de que un escándalo de infidelidad pone fin a su relación, su salud mental se desploma, hasta que él regresa arrastrándose en busca de su misericordia. Al escuchar sus súplicas, se da cuenta: "Cuando te veo llorar, me hace sonreír". Y como muestra el intrigante vídeo musical, cualquiera que la engañe recibirá su karma, tal vez en forma de robos organizados, palizas y un laxante en el café de la mañana.

Siguiendo los pasos de su mentora Lily Allen, Kate Nash pinta vívidamente la tragedia del desamor, que se vuelve prismática gracias a sus letras sencillas ("Tu cara está pastosa porque te has emborrachado tanto, qué sorpresa". !") y su encantador y marcado acento londinense.

En esta historia, Nash no se ha liberado del todo de las cadenas de su relación fallida. De hecho, le gustaría salvarlo, a pesar de la tendencia de su novio a humillarla y su irresistible necesidad de burlarse con un comentario sarcástico. Al final de la pista, Nash, cada vez más inquieto, busca nuevas formas de molestarlo, pero al final, todavía se pregunta si hay alguna gracia salvadora para preservar la chispa que alguna vez ardió por miedo a la soledad.

El año en que P!nk escribió "So What", ya tenía un grupo de sencillos platino en su haber. Con un estatus social reluciente y una carrera en auge, se mostró apática ante la separación temporal de su ahora marido, Carey Hart. Sintiendo la euforia de la nueva soltería, P!nk estaba lista para incitar a la tiranía personal, ya sea que eso significara no pagar el alquiler de Hart, beber su dinero o comenzar una pelea.

Irónicamente, Hart aparece como el antagonista en el vídeo musical, que P!nk reveló a través de su sitio web oficial para fans como testimonio de su crecimiento: "Carey no había escuchado la canción antes de hacer el vídeo. Eso es lo mucho que confía y ama". [...] Él lo entiende. Él me entiende", dijo.

Taylor Swift se ha consolidado durante mucho tiempo como la reina reinante de las canciones de amor, desde baladas que honran las relaciones más comprometidas hasta temas desgarradores de aventuras adolescentes. Este último alberga uno de los primeros (y más vibrantes) éxitos del amplio catálogo de Swift: "Picture to Burn".

En esta melodía engañosamente optimista, Swift promete vengarse de un novio después de que él la deja para salir con uno de sus amigos, desde salir con sus amigos hasta hacer que su padre le diga lo que piensa. Y en el camino, estará encantada de repartir algunos insultos: "Eres un paleto que es muy malo mintiendo/ Así que mírame encender una cerilla en todo mi tiempo perdido/ En lo que a mí respecta, eres Sólo otra imagen para quemar."

Cerrando la puerta a sus días de Hannah Montana, "Wrecking Ball" de Miley Cyrus vio a la estrella del pop infantil en su estado más adulto y vulnerable hasta la fecha. Meses antes del lanzamiento, Cyrus había cancelado su compromiso con su novio de toda la vida, Liam Hemsworth, allanando el camino para su atronadora actuación en el sencillo de Bangerz.

Tan conmovedor como la voz de Cyrus es el icónico vídeo musical de la canción. Cyrus llega al clímax con un grito ensordecedor: "Todo lo que hiciste fue destrozarme", mientras cruza la pantalla sobre una bola de demolición real, derribando todas sus paredes físicas y metafóricas.

A mediados de la década de 2010, la industria había dejado la angustia en un segundo plano a cambio de EDM y ritmos trap para sentirse bien. Bueno, eso fue, al menos, hasta que Halsey entró en escena.

Después de sólo dos años en el centro de atención, Halsey había cultivado una vibrante variedad de melodramas sonoros: desde la suciedad y la mugre del amor fallido y tóxico en los temas "Bad at Love" y "Colors" hasta la pasión acalorada al estilo de Bonnie y Clyde de " Él y yo."

En 2020, Halsey completó su discografía con el introspectivo Manic, que cambia el género, donde una canción como "You should be sad" llama tu atención con comentarios prácticos y vengativos: "Me alegro mucho de no haber tenido nunca un bebé contigo/ Porque no puedes amar nada a menos que haya algo para ti."

A diferencia de la mayoría de las canciones de amor, GAYLE se niega a dirigir su furia en "abcdefu" únicamente hacia su rompecorazones. El cantante, que entonces tenía 16 años, en cambio, se enfurece contra su madre, su hermana y prácticamente cualquier persona (y cualquier cosa) con la que esté asociado, aparte de su perro, a través de una melodía abrasadora con una línea de bajo fascinante.

A principios de este año, GAYLE reveló a GRAMMY.com que estaba "enojada con él y con las personas que lo permitieron a él y a su comportamiento". Esa animosidad fue palpable en "abcdefu", creando una magia tan empoderadora como catártica y, como muchas canciones anteriores, demostrando que puede haber poder en el dolor.

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Foto: Simone Joyner/Getty Images

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El 21 de julio marca un gran día de nuevos lanzamientos musicales, incluidas colaboraciones repletas de estrellas como Travis Scott, Bad Bunny y "K-POP" de The Weeknd y un nuevo EP de NewJeans. Escuche algunas de las canciones nuevas más importantes en GRAMMY.com.

Como tantos viernes de música nueva anteriores, el 21 de julio trajo una gran cantidad de sonidos frescos y únicos de todo el mapa.

¿Quieres escuchar a Travis Scott, Bad Bunny y The Weeknd volverse suaves y psicodélicos? ¿Estás ansioso por escuchar el último mensaje de un miembro de One Direction? ¿Quieres probar el tan esperado próximo álbum de A$AP Rocky? ¿Falta algún fragmento con la forma de Britney en tu vida musical? ¿Quieres escuchar el futuro del K-pop?

A estas y otras preguntas, esta serie de melodías les dará respuestas. En el siguiente resumen, comience el fin de semana con sonidos tremendamente divergentes de algunos de los mejores artistas de la música, muchos de ellos con importantes legados GRAMMY.

Una semana antes del evento de transmisión en vivo Utopia del nueve veces nominado al GRAMMY Travis Scott en las Pirámides de Giza en Egipto el 28 de julio, que estrenará su nuevo álbum de estudio del mismo nombre, lanzó su sexta colaboración con el cuatro veces ganador del GRAMMY, The Weeknd.

"K-POP", el sencillo principal del álbum, se completa con el tres veces ganador del GRAMMY Bad Bunny, en su primera colaboración con Scott. Esta pista de triple amenaza tiene una sensación pétrea y ardiente, con una producción de lujo de Boi-1da, entre otros, y se eleva por su video panorámico y transportador.

El ex miembro de One Direction continúa su legado en solitario con "Love Like This", su primer sencillo nuevo desde 2021.

Allí, ZAYN exalta las virtudes de dejar de lado la precaución cuando se trata de enamoramiento: "Todo está en juego, pero preferiría estar muerto/Si eso significa una vida vivida sin ti, cariño", canta. "Creo que debo correr ese riesgo porque no puedo regresar".

En el video, ZAYN pasea en motocicleta en un día hermoso. Anteriormente firmó con RCA, el cantante recientemente se mudó a Mercury Records; ¿Podría "Love Like This" ser el avance hacia un nuevo álbum? Si es así, "Love Like This" ofrece una tentadora muestra de lo que está por venir.

Después de terminar su tutela, la ganadora del GRAMMY Britney Spears volvió a sumergirse en su carrera musical en 2022 con "Hold Me Closer", un dueto con Elton John que incluye elementos de "Tiny Dancer", "The One" y "Don' No vayas a romperme el corazón".

Ahora, ha vuelto en serio con "MIND YOUR BUSINESS", un dúo electrónico atrevido y vibrante con el siete veces ganador del GRAMMY will.i.am de los Black Eyed Peas. La canción marca la cuarta colaboración de la pareja y la primera desde "It Should Be Easy" de 2014, de Brtiney Jean de Spears.

GRAMMY.com nombró a NewJeans como uno de los 10 grupos de chicas novatos del K-Pop a seguir en 2023, y estar atentos a ellos ha valido la pena. El 21 de julio, lanzaron su nuevo EP, Get Up, con gran éxito de crítica: NME declaró que "nadie puede compararse con las chicas maravilla en ascenso del K-pop".

Simultáneamente con el lanzamiento de Get Up, lanzaron un alegre video musical grabado con un iPhone de su efervescente sencillo, "ETA", en el que un grupo de chicas encuentran al novio de una amiga haciendo movimientos con otra dama.

El último álbum de Chris Stapleton, Starting Over de 2020, ayudó al cantante de country a arrasar en los GRAMMY 2022. En esa ceremonia, ganó gramófonos de oro por Mejor Interpretación Country Solista ("Probablemente deberías irte"), Mejor Canción Country ("Cold") y Mejor Álbum Country ("Starting Over").

El 10 de noviembre, el ocho veces ganador del GRAMMY lanzará su próximo LP, Higher. Cuando reveló la noticia el 21 de julio, Stapleton también presentó un majestuoso sencillo rockero, "White Horse". "Si quieres un vaquero sobre un caballo blanco/ Cabalgando hacia el atardecer", canta atronadoramente, "Si ese es el tipo de amor que quieres esperar/ Agárrate fuerte, niña, todavía no he llegado".

Para su último tema, A$AP Rocky lanzó un cortometraje elegante y encantador para Beats que muestra una carrera de pañales acosada (una narrativa apropiada para el nuevo padre, que pronto será padre de dos hijos, con su pareja Rihanna). Sin embargo, eso sólo contiene un minuto de la canción; Vale la pena deleitarse con todo.

A un ritmo incómodo y pesado, Rocky ensalza un estilo de vida para morirse ("Mi esposa es erótica/Estoy fumando exótico/Mi látigo es exótico") así como sus incomparables conexiones ("Sólo llamo a los diseñadores, libero noventa y nueve").

Respaldado por Pharrell, 13 veces ganador del GRAMMY, se dice que "RIOT (Rowdy Pipe'n)" es el primer sencillo del tan esperado cuarto álbum de A$AP Rocky, Don't Be Dumb; Si la calidad de la pista es una indicación, valdrá la pena el largo recorrido.

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Foto: Cortesía de la Academia de Grabación/Foto de Rebecca Sapp, Getty Images 2023

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Inmediatamente después de su última parada en la gira por Estados Unidos, Charlie Puth cautivó a sus fanáticos en un brunch especial para recaudar fondos para los GRAMMY en Los Ángeles. Eche un vistazo a seis conclusiones del evento íntimo.

Justo después de que Charlie Puth terminara su gira por Norteamérica el 11 de julio, el creador de éxitos pop invitó a 150 fanáticos a la mejor experiencia para fanáticos: un brunch con una guarnición de Puth.

Como parte de la serie Sunday Brunch With... del Museo GRAMMY, el evento, una recaudación de fondos para el programa GRAMMY In The Schools de la organización patrocinado por City National Bank y Porsche, invitó a los fanáticos a disfrutar de un brunch de tres platos seguido de una cena íntima de 45 minutos. Conjunto acústico de Puth.

Desde el escenario del restaurante de su amigo (y mezclador ganador de 17 premios GRAMMY) Manny Marroquin, VERSE LA en Toluca Lake, California, Puth contó historias sobre sus días en Berklee College Of Music y su viaje al estrellato. También dejó que los asistentes participaran en su proceso de composición, interpretando algunas de sus canciones más queridas en el proceso.

Para aquellos que no pudieron asistir al evento con entradas agotadas, aquí hay seis conclusiones del brunch dominical con Charlie Puth.

Al principio del espectáculo, Puth se propuso gritar a uno de sus antiguos profesores de Berklee desde el escenario. Resulta que era el príncipe Carlos Alejandro, un ingeniero y mezclador ganador de varios premios GRAMMY que ha trabajado con Mary J. Blige, Destiny's Child, P. Diddy, Usher y Aretha Franklin.

Puth dijo que a menudo visitaba la oficina de Alexander para analizar sus ideas, y Alexander le ofrecía consejos a cambio. Puth le dijo a la multitud que todavía piensa en el consejo de Alexander cuando hace sus propios discos todos estos años después, y gritó no solo a su profesor sino a todos los educadores musicales, diciendo que cree firmemente en el valor de la música en nuestras escuelas. Incluso bromeó diciendo que le gustaría convertirse en profesor de música "si todo este asunto de la música no funciona".

Cuando Puth escribió "How Long" allá por 2017, estaba en un largo camino. Estaba pavoneándose por la ciudad preguntándose por qué no había más canciones escritas con un ritmo perfecto cuando empezó a llover. El sonido de sus pies se combinó con el cemento mojado y de repente, le dijo a la multitud, "fue como si las cuerdas cayeran del cielo".

Luego, Puth inició una interpretación suave y resonante de la canción, que sonó excelente en cualquier sistema de sonido que Marroquin instaló en su restaurante, lo que provocó que un asistente gritara de alegría: "¡ooh, será mejor que cantes!".

Puth dice que comenzó a escribir "We Don't Talk Anymore" cuando estaba de gira en Osaka, Japón. Se había enamorado de la guitarra de percusión en la canción "Bloodstream" de Ed Sheeran y quería usar ese mismo tipo de tono en su propia canción.

Puth dice que también quería escribir lo que llamó "el disco con el sonido más mundano" o "un disco que me llevaría alrededor del mundo". Dado que "We Don't Talk Anymore" alcanzó el top 10 en 20 países diferentes y que el video tiene más de tres mil millones de visitas en YouTube hasta la fecha, es justo decir que eso fue lo que hizo.

Cuando Puth, recién contratado, llegó por primera vez a Los Ángeles a principios de la década de 2010, un productor sugirió que llevaran sus temas recién grabados a un club, donde los tocarían para el público y verían qué éxito. Era una idea novedosa para Puth en ese momento, pero algo que ha adaptado un poco a la era moderna, cuando publica fragmentos de canciones e ideas en su TikTok, con la esperanza de ver qué pasa.

Así es exactamente como surgió su éxito de 2022, "Light Switch": el simple sonido de percusión que escuchas cuando enciendes y apagas las luces.

En videos que publicó en TikTok, intentó mostrar a sus fans que, como esa canción, la música puede venir de cualquier lugar. "No se necesita un estudio de grabación multimillonario para hacer un disco", le dijo a la multitud, recordando a todos que "Crank That" de Soulja Boy fue autoproducido en la computadora personal del rapero antes de triunfar en las redes sociales.

Cualquiera, dijo Puth, puede hacer y publicar su propia música, incluso si actualmente no posee el sistema de grabación de sus sueños. Se trata simplemente de pasión, perseverancia y deseo de hacer algo nuevo.

Cuando Puth empezó a escribir "Attention", fue con un pequeño riff clásico con el que estaba jugando en el piano. Decidió tomar los compases clásicos y convertirlos en una canción pop, recordando a la sala que no es tan infrecuente. Por ejemplo, dijo, "A Groovy Kind Of Love" de Toni Wine y Carole Bayer Sager contiene el Rondo de la Sonatina, Opus 36, No. 5 de Muzio Clementi. En opinión de Puth, la música clásica y el pop pueden vivir en perfecta armonía, alimentándose de entre sí y construyendo hacia algo aún más grande que la suma de sus partes.

En 2012, en el apogeo de los éxitos del EDM estilo "weight for the drop", Puth se sintió desanimado mientras intentaba incursionar él mismo en la música. Como recordaba, se había mudado a la casa de sus padres y estaba concentrado en las listas de éxitos pop, adaptando sus canciones a lo que fuera número uno en ese momento, pero todas las discográficas las rechazaban. Finalmente, dijo, una persona de A&R le dio un consejo: básicamente dijo: "Hemos escuchado todo esto antes. Queremos escuchar algo de usted".

Así fue como, en su camino a grabar una pista de baile en algún estudio de Los Ángeles, Puth decidió componer una balada de piano. Dice que fue como si "See You Again" cayera en su regazo y atribuye su éxito al hecho de que no intentaba ser nadie más que él mismo.

"See You Again cambió mi vida", dijo a los asistentes al brunch, y señaló que se sentirá orgulloso y afortunado si logra interpretarlo por el resto de su vida. Mientras lo tocaba en vivo, toda la sala cantó alegremente, dando a entender que Puth pudo haber creado un éxito para toda la vida.

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